Andrea Saltzman

Su formación se articula entre la danza moderna, la plástica y la arquitectura. En el año 1989 conformó la primera cátedra de Diseño de Indumentaria y Textil dando lugar al inicio de esta Carrera en la FADU, UBA, en la cual continúa desempeñando su labor académica como Profesora titular. En el año 1998-2001 trabajó en la creación y puesta en marcha del proyecto de la “Tecnicatura en producción de Indumentaria” para el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
Junto con sus alumnos desarrolló diversas muestras y desfiles. Participó en diversos seminarios y escribió artículos en revistas especializadas.
Escribió un libro sobre metodología proyectual en Diseño de Indumentaria. El mismo, titulado “ El cuerpo diseñado” , publicado en el 2004 por Editorial Paidos.
En el año 2003 curó la muestra “ Moda”, en Fundación Proa, en el mismo año, el ciclo “Habito Malba”, en el Malba. En 2004 la muestra Transitando, que reunió a un grupo de artistas y diseñadores para la firma Nike . En el 2006 participó en la 9™ Bienal de la Habana como coordinara de un taller de vestuario para artistas y diseñadores internacionales.
En el área profesional se dedica tanto a la arquitectura como al diseñó de vestimenta, desarrollando proyectos de interiorismo y de imagen corporativa, proyectando uniformes y espacios arquitectónicos para diferentes empresas.
Actualmente además de la tarea académica dando clases en el país y en el exterior, se dedica a la asesoría en diseñó para diversas marcas y al trabajo de curaduría vinculando arte y diseñó.

Lucy Orta

Artista inglesa. Apasionada de las nuevas tecnologías, innovaciones y tendencias ligadas al textil. Las prendas que idea y realiza traducen sus preocupaciones frente a la realidad económica, política y social. Junto a su marido, Jorge Orta, funda el Studio Orta en. En 1992, sus investigaciones plásticas le conducen a crear su “ropa-refugio”, la expresión de una arquitectura “corporal” destinada a responder a la angustia humana confrontada a un entorno hostil.

Rebecca Horn

Rebecca Horn, Artista alemana (Michelstadt, 1944) Se forma en Hamburgo en la Escuela Superior de Artes Figurativas. Desde sus inicios se revela su enorme interés por la transformación del cuerpo femenino. Su participación en las Documentas de Kassel de 1972 y 1977 dan a conocer sus películas, dibujos, instalaciones y objetos. Siempre cuestionando la genialidad y personalidad creadora del artista, sus obras adquieren el funcionamiento mecánico, herederas de Tinguely. Son sin duda sus piezas articuladas, evocadoras de los ritos de seducción y las paradas nupciales de los animales, las que mejor plasman la fuerte carga simbólica que pretende dar a sus “performances”; carga que se refiere tanto a la naturaleza como a las energías.

Lygia Clark

Lygia Clark (Belo Horizonte, 1920 - Río de Janeiro, 1988) La actividad de Clark, especialmente desde 1963, busca el desplazamiento y la deconstrucción de los conceptos de artista, obra y espectador, conceptos que transforma de manera individual y en sus interrelaciones.
Clark entrega la autoría de la obra al espectador para que deje de comportarse como tal, redescubra su propia poética y se convierta en sujeto de su propia experiencia.
Durante las etapas de su proceso creativo, Lygia Clark redefine y reconstituye su público. De este modo, el visitante que contempla una obra en una galería de arte se aproxima al participante, que cambia el objeto situado frente a él. Después, el espectador es invitado a crear o utilizar un objeto, a partir de unas instrucciones escritas, o bien la propia artista le inicia en experiencias de grupo, inicialmente en el recinto del museo, y más tarde en la calle y los espacios públicos.
El trabajo de Lygia Clark se sitúa finalmente en la frontera entre el arte y la clínica, con la finalidad de que uno y otra recuperen su potencial de crítica contra el modo de subjetivación dominante. Clark estaba convencida de que revitalizando el campo del arte mediante las técnicas psicoterapéuticas, los individuos podrían reinventar su propia existencia.

Ernesto Neto

Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), heredero del movimiento artístico “Neo-Concreto”, el cual por primera vez coloca al espectador en el centro de la acción creativa. Las obras de estos artistas, requieren del espectador una interacción física.
Desde sus comienzos el cuerpo ocupa un lugar central en su obra, inseparable de una exploración de las dimensiones psicológicas y sociales del trabajo artístico. "Lo que trato de hacer con mi trabajo es proponer una nueva idea para sentir y entender nuestro universo. Yo no propongo una solución o un escape, sino un factor de bienestar, donde ellos (el público) pueda encontrar alguna tranquilidad espiritual" .
Emplea en sus esculturas tejido de licra translúcido, semejante a una membrana semipermeable, llena el tejido elástico con especias picantes y pigmentos del Amazonas, bolitas de plomo y de icopor. Dándole la oportunidad al tejido de ser moldeado en diferentes formas en las que se pueden introducir las manos e incluso entrar, sus construcciones evocan selvas tropicales, ambientes nebulosos. Oscilando entre proceso y objeto, entre interior y exterior, las esculturas de Neto giran de la experimentación formal hacia formas orgánicas y el cuerpo.
Hay en Ernesto Neto un acercamiento corporal al espacio, una entrega voluminosa al espacio vacío. Ernesto Neto le da olor, curva y voluptuosidad a la geometría recta del lugar. Le devuelve al espacio la vida y el movimiento que le quitamos las personas. Hace del espacio una realidad libre y viva en si misma.